Punta del Este tiene su música
Punta del Este tiene su música
Manuel de Falla (1876-1946) - El paño moruno Leoš Janáček (1854-1928) Robert Schumann (1810-1856) Alberto Ginastera (1916 – 1983) David Popper (1843-1913) |
La violonchelista suiza Estelle Revaz y la pianista Anaïs Crestin se conocieron en 2012, en el Festival Internacional de Mendoza en Argentina. Trayectorias profesionales similares a través de conservatorios franceses y alemanes naturalmente facilitaron una relación, tanto humana como musical. Desde entonces, actúan regularmente juntos, en América del Sur y Europa.
El proyecto "Inspiración popular" que se presenta a Conciertos del Este en su Temporada 2022, fue ideado en medio de la pandemia de Covid-19, situación que ha estimulado aún más su creatividad y cooperación y ha llevado a la edición de un exitoso CD que se lanza este año.
La música y la danza folclórica siempre han sido una fuente de inspiración para la música artística, mantienendola en contacto con el alma de las personas. No obstante, la tendencia de los compositores hacia un lenguaje musical universal ha diluido considerablemente el carácter étnico que encierran, fenómeno especialmente notorio en Europa. En el siglo XVIII, surgió la tendencia artística de enfatizar colores y encantos exóticos.
Los compositores comenzaron a utilizar el folclore extranjero para darle vida a sus obras con sonidos desconocidos, por ejemplo, el Rondó alla Turca en la Sonata para piano en La mayor de Wolfgang Amadeus Mozart. Al mismo tiempo, también hubo un aumento político del nacionalismo y cada país, cada grupo étnico también se esforzó por distinguirse de sus vecinos con su propia música. Esta tendencia es a menudo una expresión del deseo de emancipación de las personas oprimidas.
Las reglas de la música clásica, hasta entonces estrictamente estandarizadas, ahora debían integrar las características de melodía y ritmo de la música popular, ya sea en tonalidad, métrica o estructura. Si este surgimiento de la inspiración popular está relacionado con los desarrollos sociales, también puede tocar al oyente de manera más directa.
Además, los compositores, a veces lejos de casa, tienen la oportunidad de seguir conectados con sus raíces culturales, como veremos con Alberto Ginastera. Ahora había que integrar las cualidades de melodía y ritmo de la música popular, ya sea en tonalidad, métrica o estructura.
Manuel de Falla: Siete Canciones Populares Españolas
Con un arreglo para violonchelo y piano de seis de las Siete Canciones Populares Españolas compuestas por Manuel de Falla en 1915, nos sumerge de inmediato en la ardiente música popular española.
Incluso en la cuna, el compositor se dejaba arrullar por las melodías tradicionales cantadas por su nodriza. Posteriormente, su profesor de composición, Felipe Pedrell, demostró la importancia de las fuentes históricas y folclóricas en la música ibérica. Como resultado, de Falla siempre se ha esforzado por mostrar la herencia musical de su país. Lo hace aquí de diferentes maneras, como explica en un artículo publicado en 1917: "En lugar de copiar textualmente las canciones populares, he intentado incorporar tanto su ritmo como su modalidad, sus principios distintivos y motivos decorativos, y cadencias adaptativas.
Este ciclo de canciones gira en torno al tema del amor, que también se encuentra en el resto del programa. La pérdida de la inocencia, el afecto maternal, la seducción, los celos, el desamor y el amor prohibido son algunos de los diversos aspectos que de Falla elige retratar con sutileza y realismo.
Leoš Janáček: Pohádka (Fábula)
Esta fábula, compuesta por Janáček en 1910, nos transporta al mundo de la mitología eslava.
Este compositor pasó gran parte de su vida estudiando el folklore de su Moravia natal, particularmente a través de sus canciones y bailes folclóricos. Janáček creía que un pueblo se identifica con los matices de su idioma hablado y que estos matices son la base de las variaciones de las melodías populares. Como artista y miembro de un grupo folclórico, también creía que la humanidad en su totalidad, está presente en la música folclórica, cuerpo y alma de su entorno y cultura.
Pohádka es una pequeña joya donde el estilo particular del compositor es fácilmente reconocible a través de pizzicati retóricos en el violonchelo, cambios de clave, color instrumental y material temático tomado de la música y la danza tradicional o métrica libre y la estructura original de la obra. Leoš Janáček ya era un eslavo apasionado, y su amor por Rusia también se puede encontrar en esta obra. De hecho, Pohádka se inspira en una fábula rusa de Vasily Andreyevich Zhukovsky: "La historia del zar Berendei, su hijo el zarevich Iván, las intrigas de Koschei el Inmortal y la sabiduría de la princesa María, su hija". Aunque es más que una mera música de programa, la obra encarna muchas partes diferentes de la historia con gran destreza.
En consecuencia, el bosque, el lago, los patitos, la voz del zar y el encanto del amor que brota entre el zarevich y la hija de Koschei son claramente reconocibles.
Robert Schumann: Cinco piezas en estilo folclórico.
Estas piezas musicales fueron escritas por Schumann en 1849. Un año antes, el compositor escribió en su consejo para los jóvenes músicos: "Presten atención a las melodías nacionales y las canciones populares; contienen una enorme colección de las mejores melodías, que dan un vistazo a la naturaleza de las diferentes naciones". Aquí, el Schumann utiliza varios principios característicos de la música popular: la repetición en forma de estribillo, melodías sencillas e inolvidables, un ritmo sencillo y fácil de seguir y un carácter distintivo y fácilmente reconocible. La inspiración tradicional de estas cinco piezas es incuestionable; en cualquier caso, los acontecimientos contemporáneos en la vida del compositor ciertamente también jugaron un papel.
El año 1849 fue uno de los años más productivos de Schumann, probablemente el último en el que pudo disfrutar plenamente de su vida familiar. Su amor por Clara y los niños es omnipresente. ¿No es eso audible, por ejemplo, en la suave y tierna canción de cuna del segundo movimiento? Todo lo que se tiene que hacer para averiguarlo, es escuchar y tener un gran corazón.
Alberto Ginastera: Sonata para violonchelo y piano op. 49
Esta obra fue escrita en 1979, cuando el compositor argentino ya había emigrado a Suiza, pero en ella nos muestra cuán profundas eran sus raíces.
Después de sufrir tres largos años de depresión durante los cuales su composición se había estancado, principalmente debido a la censura de los dictadores de su país natal, Ginastera recuperó el corazón interior gracias tanto a su nueva vida en Ginebra como a su matrimonio con la violonchelista Aurora Nátola, que lo llenó de paz, felicidad e inspiración. La música folclórica sudamericana impregna la obra, particularmente a través del uso de poderosas y repetitivas figuras rítmicas características de la música tradicional argentina, como el Carnavalito en el Finale.
Acompañado de gauchos apasionados, Ginastera nos envía a la pampa. Aquí, también, el amor está en el corazón de la pieza, reflejado en las indirectas ¡Amor! en el movimiento Lento. Por lo tanto, es apropiado que Aurora Nátola considerara esta obra como el hijo que nunca tuvo y se reservó el derecho exclusivo de representarla en cualquier parte del mundo hasta su muerte en 2009.
David Popper – Rapsodia húngara op. 68
David Popper fue un compositor y violonchelista nacido en un barrio judío de Praga en 1843, falleciendo cerca de Viena en 1913.
Su padre era cantor en dos sinagogas, aprendiendo a tocar el violonchelo con tan sólo seis años; a los doce ingresó al conservatorio de Praga, llamando pronto la atención de los críticos por su virtuosismo, lo que le valió su fama en reiterados conciertos en Viena. Fue también Profesor en la academia de música de Budapest, conociendo a Béla Bartok a sus 19 años.
¿Qué podría ser mejor para redondear este álbum que los fuegos artificiales húngaros? Con sus temas gitanos y su virtuosismo, esta Rapsodia húngara, publicada en 1894, evoca la imagen de los violinistas del campo improvisando junto a la chimenea o invitando a los invitados a bailes interminables en una fiesta tras otra.
ANAÏS CRESTIN
Anaïs Crestin se formó en Francia y Alemania en la Hochschule für Musik de Detmold con Jean-Claude Henriot, Aniko Szegedi, Denis Pascal, Jean-Claude Pennetier y Jean-Efflam Bavouzet.
Recibió becas por mérito de DAAD, GFF y Lionsclub.
Obtuvo numerosos premios de piano como la Primera Medalla del Concurso de Piano de Brest, el Primer Premio del Concurso Ginastera y el Segundo Premio del Concurso Necochea. Entre 2009 y 2017, Anaïs Crestin trabajó en el Teatro Colón de Buenos Aires como pianista de la orquesta filarmónica y como entrenadora vocal. Entre 2012 y 2020 ingresó al claustro de la
Universidad de las Artes de Buenos Aires y fue profesora de piano en el Conservatorio Regional de la ciudad de Buenos Aires. En 2020 vuelve a vivir a Francia donde es profesora de piano en el conservatorio de Challans.
Anaïs Crestin toca regularmente en Europa y Sudamérica. En Argentina, donde residió de 2008 a 2020, se presentó en las salas y ciclos de conciertos más grandes del país: Teatro Colón, CCK, Usina del arte, Festival de Ushuaia, Mozarteum, Teatro La Plata, Teatro Neuquén.
A menudo es invitada a través de las embajadas o del Instituto Francés para actuar con artistas internacionales como la soprano Sophie Klussmann, los violonchelistas Ophélie Gaillard, Estelle Revaz, el saxofonista Claude Delangle, los violinistas Julien Szulman y John McGrosso, los clarinetistas Ronald Van Spaendonck y Luis Rossi o con la cuarteto de cuerdas "Cuarteto Gianneo".
Su repertorio para piano con orquesta abarca desde conciertos de Mozart hasta creaciones contemporáneas, pasando por obras argentinas como la "Romanza de Santa Fe" de Carlos Guastavino.
En 2018, Anaïs Crestin interpretó, en estreno sudamericano y con la Orquesta Sinfónica de Salta dirigida por Noam Zur, Fantasía para piano y orquesta de Nadia Boulanger.
Su disco "Bajo templado" editado por el sello "Pulso 70" con Sebastián Tozzolla, clarinetista solista de la Orquesta Filarmónica del Teatro Colón fue nominado al Premio Gardel.
ESTELLE REVAZ
Estelle Revaz toca en muchos países de Europa, Asia, África y América del Sur. Es invitada de festivales como el Festival Gstaad Menuhin, el Festival Verbier, el Festival Sion, el Festival Internacional de Colmar o el Festival Pablo Casals con socios musicales como Gautier Capuçon, Renaud Capuçon, Alexandra Conunova, Raphaëlle Moreau, Tai Murray , Lena Neudauer, Sergey Ostrovsky, Tedi Papavrami, Pierre Génisson, Ralph Manno, Finghin Collins, Anais Crestin, Christian Chamorel, Gaspard Dehaene, François Dumont, François-Frédéric Guy, François Killian, Cédric Pescia o el Cuarteto Sine Nomine para citarlos . También toca regularmente en prestigiosas salas como el Victoria Hall de Ginebra, el Museo del Louvre de París, el NCPA de Pekín, el Centro de Arte Oriental de Shanghái, el CCK de Buenos Aires o el Auditorio del Sodre de Montevideo.
Su repertorio con orquesta va desde conciertos de C.P.E. Bach hasta conciertos de Gulda o Ligeti. Desde la temporada 2017-2018 y por un período de 3 años, Estelle Revaz es "Artista en residencia" en la Orchestre de Chambre de Genève bajo la dirección de Arie van Beek. Entre otros proyectos, podemos mencionar la grabación de un disco en torno a los conciertos de Frank Martin y una creación de Xavier Dayer.
La crítica acogió con entusiasmo su primer CD "CANTIQUE" (NEOS 2015), donde es solista de conciertos de Ernest Bloch (Schelomo) y Andreas Pflüger (Pitture-Création). Le Temps destaca "un disco serio, incisivo y exigente donde la orquesta y el solista tocan con delicadeza e inteligencia".
Su CD para violonchelo solo "Bach & Friends" (Solo Musica/Sony 2017) también fue recibido con entusiasmo por la prensa especializada. Pizzicato escribe: "el sonido es de una pureza perfecta, el fraseo es extremadamente claro y la dinámica es excepcionalmente refinada. mientras que Musik und Theatre habla de "uno de los mejores conceptos de violonchelo del momento". Su disco a dúo con el pianista François Killian titulado Fugato en torno a las sonatas de Beethoven, Brahms y Strauss fue publicado en marzo de 2019 por Solo Musica/Sony y también fue elogiado unánimemente por periodistas especializados.
Estelle Revaz ha actuado en Radio France, RTBF, Deutschlandfunk, WDR3 y en Radio Télévision Suisse. También ha sido invitada del RTS Journal Télévisé varias veces y ha sido objeto de un reportaje en este contexto con Gautier Capuçon. Más recientemente, coprodujo una serie de radio de 5 episodios titulada "Estelle et le violoncelle" emitida en Espace 2/RTS.
Tras sus inicios en Suiza, se formó en Francia en el CRR de Boulogne-Billancourt (Xavier Gagnepain), en el Conservatorio Nacional de Música y Danza de París (Jérôme Pernoo) así como en Alemania en la Hochschule für Musik und Tanz Koln (Maria Kliegel). Obtuvo así con las más altas distinciones un Máster de Solista, un Máster de Interpretación en música contemporánea así como un Máster en Pedagogía Instrumental.
Estelle Revaz es laureada de varias fundaciones o instituciones que la apoyan en su carrera tanto a través de becas como a través de la organización de conciertos. Mencionemos la Ciudad de Ginebra, el Estado de Valais, el Fondo Instrumental Francés, o las fundaciones Leenaards, Little Dreams, Dénéréaz, Kremer, Thiébaud-Frey y Patiño. En 2014 fue seleccionada para la Verbier Festival Academy y recibió el "Premio Rotary" en este contexto.
Desde 2015, Estelle Revaz es miembro del "Forum des 100", que reúne a las personalidades que están dando forma al futuro de Suiza.
Desde 2017, Estelle Revaz es profesora de violonchelo y música de cámara en la Escuela de Música Kalaidos de Zürich (CH). También imparte regularmente y con entusiasmo masterclasses/workshops en Europa, Asia y Sudamérica. Recientemente realizó una investigación sobre "el desarrollo de la identidad artística en la educación instrumental superior" que fue publicada en marzo de 2019 por Harmattan (colección de ciencias de la educación musical).
Estelle Revaz toca actualmente un violonchelo de G. Grancino (1679) y un arco de J. Eury (1825) que le fueron proporcionados por generosos patrocinadores suizos.