Punta del Este tiene su música
Punta del Este tiene su música
Daniel Lasca, violín (Uruguay)
Carolina Hasaj, violín (Uruguay)
Akino Aono, viola (Japón)
Martina Rodríguez, cello (Uruguay / Francia)
Ignacio Casciani, contrabajo (Uruguay)
Olga Bertinat, flauta (Uruguay)
Abner da Silva Pinto, fagot (Brasil / Argentina)
Christian Morabito, corno (Argentina)
Michelle M Wong, oboe (Hong Kong / Argentina)
Gervasio Tarragona Valli, clarinete (Uruguay / Japón)
Emilio Peroni, kapellmeister (Argentina)
PROGRAMA
Hanns Eisler - Noneto No. 1 para clarinete, oboe, corno, fagot, dos violines, viola, cello y contrabajo (1939).
Wolfgang Amadeus Mozart - Cuarteto K. 370 en Fa mayor para oboe, violín, viola y cello (1781).
Allegro
Adagio
Rondeau: Allegro
Wolfgang Amadeus Mozart - Quinteto K. 581 en La mayor para clarinete y cuarteto de cuerdas (1789).
Allegro
Larghetto
Menuetto
Allegretto con variazioni
Louis Spohr - Gran Noneto op. 31 en Fa mayor para flauta, clarinete, oboe, corno, fagot, violín, viola, cello y contrabajo (1813).
Allegro
Scherzo: Allegro
Adagio
Finale: Vivace
Noneto N° 1 , Hanns Eisler – 1939
En noviembre de 1939, dos meses antes de recibir la beca de la Rockefeller Foundation, Eisler (1898 – 1962 ) escribió una tercera banda sonora para el documental " The Living Land " ( La Tierra Viviente ), un cortometraje didáctico de 5 minutos 20, producido por el Departamento de Agricultura de los E.E.U.U., teniendo como escenario Helen Hill.
El film estaba dominado de principio a fin, por una voz en off que recordaba a los ciudadanos estadounidenses el problema del deterioro del suelo y los esfuerzos que realizaba la administración Roosevelt para solventarlos.
Con la escritura de esta banda sonora, Eisler participó de manera tangencial en la política propagandística del New Deal y estableció por primera vez relación con el gobierno norteamericano.
El texto de Helen Hill decía que durante décadas los granjeros habían entendido el suelo como un ente viviente que había que respetar, pero también que dicho entendimiento había sido violado por empresas formadas en las décadas de 1920 y 1930 que habían explotado el suelo de manera irracional y descontrolada, destrozando así el medioambiente y tansformando – la tierra viviente - en una tierra baldía.
Para revitalizar el suelo, " The Living Land " proponía no solo volver al respeto de las pasadas generaciones, sino también aplicar de forma racional la tecnología descubierta por la ciencia moderna.
Visualmente, el documental estaba dividido en seis breves secciones. La 1ª a modo de introducción, mostraba las distintas formas de producción agrícola existentes en los E.E.U.U., en la 2ª y en la 4ª, se veían zonas desvastadas por el abuso incontrolado del suelo, en la 3ª a modo de antítesis a las secciones que la rodeaban, se señalaba la necesidad de tratar respetuosamente el medio ambiente con nuevas tecnologías; y en la 5ª y 6ª se presentaba y justificaba con imágenes y palabras el programa de conservación de suelo del gobierno.
La música de Eisler estaba igualmente dividida en seis secciones, pero en ciertos pasajes, y a diferencia del texto, no parecía proponer un tono reconciliatorio. En distintas secuencias del documental, la banda sonora funcionaba más bien como un contrapunto a la imagen y a la voz en off, de tal modo que no ilustraba el referente visual de forma paralela, sino que lo negaba de un modo sutil pero intenso.
Para " The Living Land ", Eisler compuso un noneto que seguía una vez más la técnica dodecafónica. En principio tituló la partitura Variaciones o Improvisación sobre un Tema. Pero más adelante, cambió su título por el de 32 Variaciones sobre un Tema de 5 compases, en homenaje a Beethoven, ya que en su configuración la orquesta de 9 instrumentos, reproducía la disposición empleada comúnmente en la época de juventud del genio de Bonn.
El noneto estaba formado, por un lado, por un quinteto de cuerdas compuesto de 2 violines, una viola, un violoncelo y un contrabajo y por otro un grupo de vientos formado por una flauta, un clarinete, un fagot y un corno.
W. A. Mozart (1756-1791)
- Cuarteto con oboe KV 370
El Cuarteto para oboe y cuerdas en fa mayor, KV. 370 de Mozart es una obra compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart a principios de 1781. El cuarteto está orquestado para oboe, violín, viola y violonchelo. En 1780, Mozart recibió una invitación para asistir a Múnich para visitar al Elector Karl Theodor, que le había encargado la ópera Idomeneo para una celebración de carnaval. Mientras estaba en Múnich, Mozart reanudó su amistad con Friedrich Ramm, un virtuoso oboísta de la orquesta de Múnich, para quien compuso este cuarteto, con el fin de mostrarle su virtuosismo y las mejoras que se habían logrado en el instrumento por aquella época. Se trata por lo tanto de una obra de gran virtuosismo en el oboe en el que las cuerdas, casi a modo de concierto, acompañan al solista.
El Quinteto con clarinete en la mayor, KV. 581 de Mozart es una obra para un clarinete, dos violines, una viola y un violonchelo compuesta originalmente para clarinete di basseto y dedicado a su amigo el clarinetista Anton Stadler para ser interpretado por él mismo. Es el único quinteto con este instrumento compuesto por Mozart. Terminó su composición el 29 de septiembre de 1789 y se refirió en una carta a la obra como el Quinteto Stadler, nombre con el que a veces se cita. Es una de las mejores obras del repertorio para clarinete y es muy popular por sus melodías líricas, especialmente en su segundo movimiento.
Consta de cuatro movimientos; el Allegro es un movimiento en forma de sonata clásica, con la típica estructura de Exposición-Desarrollo y Reexposición; el Larghetto es una pieza ensoñadora; el Menuetto es de estilo clásico, pero con varios tríos y una estructura interna más compleja que los habituales; y el Allegretto con variazioni consta de un tema que se repite varias veces con algunos temas centrales que preceden a la variación del tema principal más famoso.
Lo más destacado del quinteto es su similitud con el Concierto para clarinete y orquesta del mismo autor: la tonalidad usada es la misma, fue escrito también para Anton Stadler y hay un gran parecido en el desarrollo de las frases musicales.
Hanns Eisler (6 de julio de 1898 - 6 de septiembre de 1962) fue un compositor alemán-austríaco, nacido en Leipzig en 1898; su padre era un filósofo y su madre la hija de un carnicero. En 1901 la familia se trasladó a Viena. Durante la Primera Guerra Mundial sirvió como soldado en la armada del Imperio austrohúngaro y fue herido varias veces en combate. Regresando a Viena después de la derrota de Austria, estudió desde 1919 hasta 1923 con Arnold Schönberg, con lo que pasó a formar parte de la Segunda Escuela de Viena. Eisler fue el primero de los discípulos en componer con el dodecafonismo.
En 1925 Eisler se mudó a Berlín, entonces un lugar de intensa experimentación en la música, teatro, cine, arte y política. Allí trabajó estrechamente con Bertolt Brecht, escribiendo la música para varias de las producciones teatrales de las obras del escritor. Ambos colaboraron también en las canciones de protesta que jugaron un rol en la agitación política de la República de Weimar a inicios de los años 1930. Su Canción de la Solidaridad se convirtió en un popular himno militante cantado en las protestas en las calles y reuniones públicas en toda Europa.
Después de 1933, la música de Eisler y la poesía de Brecht fueron censuradas por el Partido Nazi. Ambos artistas pasaron a la generación de exiliados anti-nazis que buscaron refugio en Estados Unidos. En Nueva York, Eisler enseñó composición en la New School y escribió música experimental de cámara y para documentales. Al trasladarse poco después a Los Ángeles, compuso música cinematográfica para Hollywood, dos de las cuales —Hangmen Also Die y None but the Lonely Heart — fueron candidatas al Oscar. En 1947 escribió el libro Composing for the Films con Theodor Adorno. Pero en varias composiciones de música de cámara y corales de este período, Eisler regresó al dodecafonismo que había abandonado en Berlín. Sus Fourteen Ways of Describing the Rain (14 maneras de describir la lluvia) — compuesta para el 70º cumpleaños de Arnold Schönberg -es considerada una obra maestra del género.
Las dos obras más notables de Eisler en los años 30 y 40 fueron la monumental Sinfonía Alemana, una sinfonía coral en once movimientos basados en poemas de Brecht e Ignazio Silone, y un ciclo de canciones artísticas (lieder) publicado como el Hollywooder Liederbuch (1938-1943). Con poemas de Brecht, Eduard Mörike, Hölderlin y Goethe, se consolidó la reputación de Eisler como uno de los compositores más importantes de lieder alemanes.
La prometedora carrera de Eisler en los Estados Unidos fue interrumpida por la Guerra Fría. Él fue uno de los primeros artistas colocados en la Lista Negra de Hollywood por los jefes de estudios cinematográficos. En dos interrogatorios del Comité de la Casa Blanca para Actividades Antiamericanas, el compositor fue acusado de ser "el Karl Marx de la música" y el agente jefe soviético en Hollywood. Los defensores de Eisler - entre los que estaban su amigo Charlie Chaplin y los compositores Ígor Stravinski, Aaron Copland y Leonard Bernstein — organizaron conciertos benéficos para reunir fondos para su defensa, pero fue deportado pronto en 1948.
Eisler regresó a Alemania y se estableció en Berlín Este. Ahí compuso el himno nacional de la República Democrática Alemana. Su proyecto más ambicioso de este período, una ópera moderna sobre el tema de Fausto, fue atacado por los censores comunistas y no fue terminada. Si bien continuó componiendo y enseñando en el conservatorio de Berlín Este, la distancia entre Eisler y los funcionarios culturales de la Alemania del Este se fue agrandando en la última década de su vida. Eisler nunca se recuperó completamente de la muerte de Brecht en 1956 y en los años restantes cayó en una profunda depresión que deterioró progresivamente su salud, falleciendo en Berlín Este, donde está enterrado cerca de Brecht.
Louis Spohr (5 de abril de 1784 - 22 de octubre de 1859) fue un compositor, violinista y director de orquesta alemán de música romántica.
De pequeño ya mostró talento para el violín y a los 15 años se incorporó a la orquesta del duque de Brunswick, quien le ayudó tres años más tarde a realizar un viaje de estudios a San Petersburgo con el virtuoso violinista Franz Anton Eck.
Las primeras composiciones importantes de Spohr, incluyendo su primer concierto de violín, datan de ese periodo. A su regreso el duque le animó a realizar una gira de conciertos por el norte de Alemania. En 1804 un influyente crítico de música lo vio en algunos conciertos en Leipzig y quedó tan impresionado por su virtuosismo en el violín y por sus composiciones, que de la noche a la mañana le dio fama en toda Alemania.
En 1805 Spohr fue nombrado director de orquesta de la corte de Gotha, donde permaneció durante siete años. Allí conoció a Dorette Scheidler, arpista de 18 años, con la que se casó al año siguiente. Juntos formaron un dúo de violín y arpa que tuvo un considerable éxito. Incluso realizaron una gira de conciertos por Italia y viajaron a París y Londres. No obstante, su esposa abandonó su carrera cuando tuvieron hijos, para dedicarse a ellos. En 1834 murió prematuramente, lo cual causó a Spohr un gran dolor.
Después del periodo en Gotha, Spohr, ya casado, se instaló con su mujer en Viena, donde fue el director de orquesta del Theater an der Wien desde 1813 hasta 1815. En esa época conoció a Beethoven, con el que mantuvo una relación amistosa. Dos años más tarde aceptó el cargo de director de orquesta de la ópera de Fráncfort del Meno (1817-1819), que le dio la oportunidad de representar sus propias óperas. En 1822, por recomendación de Carl Maria von Weber, se le ofreció el puesto de director de orquesta en la corte de Kassel. Allí permaneció hasta su muerte.